La Baronessa Rampante è l’inedito esperimento di Prima Opera Jazz liberamente ispirata al romanzo di Italo Calvino scritta dalla sapiente mano di Maurizio Braucci che trasforma il Barone in Baronessa, esplorando il legame tra donne, alberi e utopia, tra la fiaba di un personaggio che cavalca l’utopia e uno dei tabù morali e iconografici verso lo spirito femminile.

La restituzione al pubblico, con la regia di Michele Sorrentino Mangini, vede in scena la piccola Giada De Lucia e Rossella Di Lucca nel ruolo speculare di Gravità, ad affiancarle la partecipazione di Antonello Cossia e di Luca Di Lorenzo e dei giovani artisti formatisi alle Officine San Carlo.

Le musiche sono di Angelo Cioffi, promessa del jazz ex allievo del Conservatorio Nicola Sala di Benevento, a conferma della sinergia tra le Officine San Carlo e le maggiori istituzioni di formazione del Territorio. Lo accompagnano la Voce di Angela Addezio, il Sax tenore/sax soprano di Giuseppe Capriello, la Tastiera di Enrico Asquitti, la Chitarra di Felice Chiaravalle, il Basso di Daniele Cortese, la Batteria di Luca Mignano.

L’ideazione dello spazio scenico vanta la firma dell’artista Antonella Romano, direttrice dell’Officina di Tessitura, la quale in questi mesi ha formato con ammirevole cura una numerosa classe di artisti tessitori che si sono cimentati in mesi di minuzioso lavoro artigianale ricamando tutti gli elementi del magico mondo di Gravità. Tra questi si è distinto il giovane scenografo Giulio Carbone, progettista dell’intero impianto scenico.

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Il monologo è incentrato sulla figura della  nobildonna  Lucia Migliaccio   Duchessa di Floridia ,  che il 27 novembre del 1814 sposerà – con matrimonio morganatico- il  vedovo Ferdinando IV di Borbone , Re di Napoli.

L’ azione è agita in un abito – installazione, creato dalla stessa attrice,  nella cui trama risiede un preciso richiamo alla tradizione tessile di San Leucio , ripercorrendo la vita piena  di una donna dell’alta aristocrazia meridionale.

 “Nascere duchessa , vivere principessa, morire regina  “ è la perfetta sintesi dell’erede del duca di Floridia   dal primo matrimonio , mai felice con il principe Benedetto Grifeo, fino a quello con Ferdinando IV di Borbone che la renderà regina morganatica. La voce di Lucia  restituisce un quadro completo    di un regno  attraverso aneddoti ,  passioni e desideri , rivelandone allo stesso tempo gli affari di Stato  e gli aspetti piu’ intimi e segreti della corte e del sovrano .     Una donna che spunta come crisalide per il Re dopo essere stata baco in un bozzolo.

[…] Dappertutto  ho visto  donne graziose , ma non ho più visto occhi come quelli della

        Duchessa di Floridia.   Erano occhi  umidi come  li  definivano i  Greci,  neri  come il

       carbone ,  in cui si  leggeva,  volta a volta ,  la grazia ,  il sentimento,  la voluttà e che

       con uno sguardo, facevano vibrare  le fibre del cuore e penetravano fino al  midollo

       delle ossa.   […]

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Viviamo in un mondo in cui il rispetto, la gentilezza, la cura hanno perso il loro valore e dove la violenza fa da padrona su tutto.

“Respect me” è un monumento a tutte le donne violate nella loro libertà di agire, per quella  mancanza di rispetto, che nasce dalla paura per qualcosa che non si riesce ad afferrare, che esce dagli schemi.

La mancanza di rispetto è una violenza, una violazione di un territorio intimo, che può essere consumato in molti modi: quando non si ha riguardo per l’altro, quando non si ha riguardo per un popolo, per un’idea, per la nostra stessa terra, fonte di vita.

L’origine della parola stessa, dal latino re-spicere, guardare indietro, considerare, significa guardare di nuovo, aver riguardo con la volontà di avvicinarsi all’altro, per conoscerlo, riconoscerlo e accettarlo nella sua specificità e diversità.

Il rispetto verso le diversità porta al superamento di stereotipi dannosi e alla costruzione di una società che celebra l’unicità di ogni individuo. Il rispetto è un riconoscimento profondo della dignità e del valore di ogni individuo e nel praticarlo costruiamo ponti di umanità anziché muri di violenza.

Sii dolce con me. Sii gentile

Maneggiami con cura

Abbi la cautela dei cristalli

con me e anche con te.

La  vita ha bisogno di un corpo 

per essere  e tu sii dolce con 

ogni corpo. Tocca leggermente

leggermente poggia il piede

e abbi cura.

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Progetto Sirene

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Antonella Romano, è un’artista a tutto tondo, proviene, infatti, dal teatro. Con un rituale lento e laborioso, una ripetizione quasi mantrica,  forgia le sue sculture con il fil di ferro, intrecciandolo a mani nude. Uno stile inconfondibile, il suo. Leggere e pregne di significato, le sue installazioni, sono veri e propri ricami in ferro. Figure cariche di simbologia: la Grande Madre, L’Uomo Nuovo, la Ricapitolazione Sciamanica, la Sirena, I Pesci, rappresentano la summa dell’indagine poetica dell’artista partenopea. Seni, melograni, cuore anatomico, specchio, tutti elementi di spiccato simbolismo sono contenuti all’interno delle gabbie di ferro. Le tematiche principali dell’opera di Antonella Romano sono il ritorno all’essenza, all’istinto nella piena libertà di espressione e sentimenti. Figure leggere, trasparenti, ma forgiate con elementi duri quali il ferro, il piperno, a sottolineare la forza dei materiali, delle radici e per contrasto, l’anelito di affrancamento e il desiderio di volare via. Nel suo operato si evidenza il grande amore per la natura, per la vita, con tutte le sue contraddizioni e fragilità, ma prepotente è anche il rapporto con dolore e morte. 

Ricami e simboli

Antonella Romano ricama a mani nude. Intreccia chilometri di fil di ferro in un minuzioso e certosino lavoro che forgia figure mitiche e straordinarie. Immagini delicate, leggere, dense di significati e significanti. Uno stile unico, il suo. Un incessante tessere, ormai divenuto abile tecnica che le concilia la riflessione, che la mette più a contatto con pensiero e interiorità. Nelle sue trame, c’è il frutto della sua conoscenza, della sua esperienza di vita, del pensiero recondito e di quello forgiato dall’esterno. Le sue soavi sculture hanno percorso varie tappe dell’anima e del sapere. A cominciare dalle sue sfere, ispirate dalla ricapitolazione sciamanica, che implica l’enumerare e poi rimuovere gli effetti che si sono accumulati nel corso della vita, nel corpo fisico ed energetico. Bolle di ferro filato che contengono gli oggetti di transizione del suo vissuto, un cuore umano, il calco delle mani, lo specchio col quale sia l’artista che lo spettatore è costretto a fare i conti. La sfera simboleggia la protezione, ma anche la gabbia, la morte da cui liberarsi e con la quale fare i conti, costantemente. Un omaggio toccante e raffinato è una sfera dedicata alle spose bambine di tutto il mondo. Al fenomeno di schiavitù velata o meno, al quale ancora oggi, troppe donne, sono costrette. I pesci, delicate figure sospese al soffitto, richiamano il male che facciamo costantemente al nostro pianeta, ai nostri mari, a noi stessi. Le bocche sono spalancate, non hanno un colore definito, tranne un solo esemplare, che vuole essere l’auspicio per un mondo migliore e una maggiore consapevolezza e rispetto della natura.

Un lavoro femminile e al femminile, quello di Antonella Romano. Tra le sue opere troviamo un potente omaggio alla Grande Madre, costituito da un busto di donna e tre grandi seni che contengono dei melograni, frutti che simboleggiano la vita e la morte, ma soprattutto la fertilità, il sangue, l’energia vitale. Una bellissima Sirena rappresenta la libertà, l’istinto, la fluidità, il femmineo. La consapevolezza che bisogna sentirsi liberi di andare per restare, in qualsiasi occasione. L’anelito a rapporti concreti, senza finzioni, che soltanto affrancandosi, divengono reali. L’artista segue e nutre il suo istinto senza reprimere alcun flusso che si trova a incontrare. L’ultima opera, quella a cui ha lavorato per oltre un anno, costituita da una trama talmente fina che pare impossibile sia stata intessuta a mani nude è L’Uomo Nuovo. Una scultura oblunga poggiata su un impiantito luminoso ricoperto di sampietrini, oggetti che Antonella Romano usa spesso come fondamenta per le sue sculture, nella contrapposizione materica della pietra con la leggerezza del fil di ferro. L’unico uomo presente nella mostra, rappresenta l’energia che viene dal basso, dalla terra, la luce che crea e rigenera, lo sprone alla vita, l’amore per la natura, sola condizione possibile, per l’artista, capace di rigenerare l’umanità e segnare un preciso cambiamento di svolta. 

Sculture di trame contenenti profonde riflessioni che, seppur composte da un materiale forte quale il ferro, anelano a dare l’impressione di trasparenza, di effimero. Come la stessa Antonella, una roccia che abita una marea di fragilità e debolezze di cui non si vergogna, dalle quali, anzi, trae potenza, arte e bellezza.

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Antonella Romano è un’attrice, vive di teatro e in questa mostra si vede la sua naturale propensione allo spazio e alla luce, al movimento all’interno di uno spazio, un palco o come in questo caso le sale al primo piano di Palazzo Fondi (fino al 31 luglio).
Vuole che lo spettatore non sia un semplice fruitore ma un soggetto attivo e partecipe. Così traccia delle fughe, degli indizi nascosti come terra a indicare un possibile percorso .
La mostra ha un suo ritmo, una sua scansione del tempo dettata dalle installazioni di Antonella, che in cinque stanze ci presenta momenti della vita di una persona, attimi lunghi un’esistenza intera, storie, situazioni e sensazioni che appartengono alla donna, all’attrice, all’artista. Che appartengono a tutti noi.
Fragile è il titolo di questa mostra e fragili appaiono i lavori, delicati come il fil di ferro che l’artista ricama con le proprie mani, frangibili come il corpo che ci portiamo addosso, leggeri come i pensieri che riusciamo a fare certe mattine, e meravigliosi come i fiori che ritornano in tutte le opere, come il cuore che batte “e non si ferma mai e a noi ci tocca sempre andare” .

E proprio un fiore è l’opera prima che ci dà il benvenuto. Una presenza in punta di piedi che nasce da un sampietrino: Antonella è napoletana e ha ben presenti quali sono le sue radici. Radici e origini che però ci portiamo dentro e in parte trasfigurano la nostra realtà. Ci condizionano e non sempre ci fanno vedere le situazioni per quelle che sono.
Siamo noi quelle radici? Siamo noi la nostra origine? O siamo questo percorso che l’artista ci invita a fare? Un mondo a testa in giù, uno specchio che deforma la realtà ci fa entrare nella parte più colorata di tutta la mostra, i colori non mentono e Antonella deve saperlo bene. Ci invita ad andare oltre “un mondo che tu non vuoi”.
Questi piccoli fiori racchiusi sono la parte più profonda di noi che dobbiamo proteggere e coltivare, perché è facile che ci vengano strappati, che sfioriscano o che appassiscano. Dobbiamo tenerli al sicuro per non perderci, in fondo siamo anime fragili proprio come le opere esposte.
È un viaggio quello che Antonella fa prima di tutto dentro se stessa, come ogni artista dovrebbe sempre fare, scavare, andare a fondo, farsi male, trovare quella ferita che pungola i nostri pensieri più intimi. E aprirla per entrarci dentro, portarci una manciata di sale che brucia e creare un giaciglio dove restare a dormire almeno per un giorno. Almeno per il tempo di visitare questa mostra, per arrivare a conoscerci, a guardare i nostri mostri negli occhi, nei nostri bellissimi, profondi occhi neri e arrivare così a comprenderli. Sconfiggerli non possiamo, sono parte di noi.
Ma, come Antonella ci svela, possiamo capirli, come se all’improvviso stessimo fuori di noi , dalla ferita più profonda, scavata dentro noi stessi possiamo guardare il meccanismo da lontano: e se lo guardi lo fai tuo.
Non sei più tu un ingranaggio del meccanismo, un pezzo della giostra, sei tu il giostraio, sei tu l’operaio capace di riparare il meccanisimo. Puoi sorridere di te stesso, puoi sorridere con te stesso. Un sorriso sornione, amaro ,sofferto , un sorriso che porta con se tutti i tuoi errori, tutti i tuoi orrori.

La ferita fa male, brucia ma tu puoi uscire dal bozzolo, nudo, debole e fragile, proprio come questa mostra. E ti ritrovi in un campo di rose ricamate in un mare di sale, che caustica, si può guarire solo se ti fai davvero male.
Antonella lo sa, adesso lo sappiamo anche noi. E possiamo passare alla prossima stanza, al prossimo attimo, forse adesso è tutto in discesa , forse è tutto più semplice ma Antonella è un’artista e gli artisti mentono e dicono la verità allo stesso tempo. Niente è facile. Ci troviamo in una stanza tra corpi sospesi , dei busti di donna, materni come certe madonne. Stiamo rinascendo e portiamo dentro di noi racchiuso un piccolo fiore.
Una nuova speranza, una seconda possibilità, forse è solo quel seme che nato all’inizio da un sampietrino si sta riscoprendo consapevole. Entriamo e ci perdiamo tra queste figure leggere, diventiamo parte dell’opera, pronti, con il sorriso che contraddistingue chi sa, a passare alla prossima stanza, per capire che possiamo ancora volare alto, essere il totem di noi stessi, la nostra forza che svetta alto e illumina tutto intorno a creare dei coni di luce, la nostra luce, che stavamo perdendo perché siamo al tempo stesso fragili, come questa mostra  e forti  come il filo di metallo ricamato, come Antonella.
Lei lo sa che possiamo avere tutte possibilità che vogliamo , riprovare e continuare a riprovare all’infinito. Che però tutto questo non servirà a niente se prima non riusciamo a vedere noi stessi, dentro noi stessi. E così Antonella ci porta per mano nell’ultima stanza della mostra.
Dove ci aspetta la prova più difficile, perché tocca a noi decidere, l’artista ci da la possibilità di scegliere, vuole da noi un atto di coraggio, un po di sana follia e tanta forza di volontà. Riuscire a scendere in profondità. è questa la sfida più complicata. Ma solo così è possibile poi risalire ed essere finalmente liberi e leggeri. E come farfalle volanti andare oltre , oltre tutto e oltre noi stessi, con la piena consapevolezza di quello che siamo e di quello che possiamo essere ancora.
In quel momento , accompagnati dall’ultimo lavoro di questa fragile mostra capiamo che non stiamo guardando l’esposizione di  Antonella Romano, stiamo guardando dentro di noi, un viaggio che dalla nascita del primo fiore ci porta alla possibilità di andare verso una coscienza superiore, un percorso catartico di accettazione delle proprie fragilità.
Ci ritroviamo da soli alla fine di questo percorso e l’unica cosa che possiamo fare e ricominciare da capo. Trovarci di fronte a quel fiore, che adesso sappiamo essere noi e guardarlo con amore, vedendo tutte le sue fragilità, le sue debolezze, scoprendo i nervi nascosti e sperando che in questo modo nel nuovo percorso che prenderà la nostra vita ci saranno meno ferite, meno spine e più consapevolezza. 
Antonella Romano  svetta come le sue installazioni, emana luce e forza e fragilità, proprio come questa sua personale. Questo è il suo invito per noi.

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Lasciare attraversare lo sguardo e andare oltre le apparenze e scoprire quel vuoto incolmabile rinchiuso in una gabbia dorata

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Perché Martha Graham

Perché mi è saltata addosso e ho sentito forte l’impulso di mettere in atto il suo concetto sulla forza vitale , che va tradotta in azione per non perderla, per non bloccarla e ho iniziato a ricamare quelle parole con il mio filo di metallo   aumentandone la forza che la scrittura imprime in noi agendo profondamente sul nostro se, sul nostro universo interiore. E sviluppare poi tale concetto attraverso un corpo danzante che diventa luogo emotivo da cui emergono i nostri mondi interiori. Martha Graham con il suo creare una nuova grammatica, un nuovo modo di sentire il corpo, di agire e parlare attraverso di esso ha trasformato la danza in atto poetico, espressione di un impulso interiore. Un segno, un simbolo , un sogno, una memoria ancestrale scritta nel nostro sangue che si fa carne e vibra.

L’installazione si sviluppa in due sale :

la prima in cui si entra in contatto con il pensiero di Martha Graham attraverso la scrittura  da cui avrà inizio il viaggio

la seconda in cui si avrà esperienza del viaggio stesso come inglobati in un sogno, in cui più linguaggi entrano in connessione attraverso l’atto poetico danzante.

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